LE BLOG QUI AIME LE CINEMA...

The End

Monsieur 7 — Wed, 17 Oct 2007 16:33:01 GMT

Voilà,

j'ai décidé, car je n'y trouve plus d'interêt, de mettre fin à ce blog.

Il ne signifie plus grand chose pour moi car je pense être passé à autre chose.

Je ne veux que devenir ce que je suis.

L'OEil de la cité

Monsieur 7 — Wed, 27 Jun 2007 19:11:00 GMT

Voici mon premier court métrage avec sa bande-annonce, certes pas subtile je vous l'accorde mais bon...

L'OEil de la cité - Bande Annonce
envoyé par MisterSeven

L'OEil de la cité�
envoyé par MisterSeven

Saw 3

Monsieur 7 — Sun, 24 Jun 2007 14:29:42 GMT

De Darren Lynn Bousman, Avec que des abrutis qui ne savent pas jouer

Arrêtons tout de suite cette hypocrisie selon laquelle « Saw » apporterait un questionnement sur la vie, la mort et les conneries du genre. Tout cela est faux, et il y a d’autres moyens pour questionner ces thèmes que d’accumuler des scènes de torture immonde et insupportables.

Effectivement, au bout de trois volets, le scenario s’est appauvri pour aboutir à du vide. « Saw » pouvait proposer un léger intérêt, devenu invisible dans le 2 et inexistant même en creusant bien malgré l’intention de revenir aux « sources » dans le 3. Et pour pallier à ce flagrant et gênant vide, Darren, dans un rare élan d’intelligence cinématographique nous offre une réalisation hachée style clip aux images aussi laides et immondes que les scènes de torture. Evidemment les acteurs ne peuvent rien faire d’autre que de jouer comme des pieds, la réalisation ne les aidant pas le moins du monde.

Alors oui, les films d’horreur trouvent souvent naissance dans des contextes sociaux mouvementés comme c’est le cas aujourd’hui (d’où cette vague de films d’horreur, dont pour moi Alexandre Aja et Eli Roth sont les meilleurs représentants), mais « Saw » est vraiment pitoyable, se donne des grands airs de réflexion, comme sur l’absence de communication dans notre société contemporaine par exemple, mais ça ne marche pas.

Je me pose donc de sérieuses questions sur les limites que la saga « Saw » a osé franchir dans une recherche perpétuelle de profit, qui me fait penser à « Cannibal Holocaust », que certains dans un aveuglement et dans un déni total, n’hésitent pas à qualifier de chef d’oeuvre. Tout montrer est une connerie en soi, suggérer laissant beaucoup plus de place aux angoisses propres aux spectateurs. Tout, ici, n'est que surenchère. Ce n’est plus du cinéma, c’est un vomitif caché.

Critique de la critique

Monsieur 7 — Wed, 20 Jun 2007 16:59:17 GMT

Tout d'abord, étant donné que la clarté est de mise, la critique telle quelle est – normalement et dans ma conception des choses - un avis complètement objectif du sujet traité.

Mais en fait, c'est quelque chose de beaucoup plus sournois. En effet, il s'agit de faire paraître son avis objectif par des arguments irréfutables et qui doivent eux mêmes paraître objectifs alors qu'il sont complètement subjectifs. En fait l'argument lui-même est censé être objet de recul par rapport au sujet.

Et ce n’est bien entendu pas le cas. En effet, étant donné que l'argument est issu de la réflexion d'une personne, il ne peut être objectif puisque il est le produit d'un mécanisme alliant la réflexion et la sensation. Celle ci dépend du vécu de la personne en question, donc de son inconscient. Et l'inconscient ne connaît pas les notions de bien ou de mal et encore mois celles plus délicates de l'objectivité et de la subjectivité. Le fait qu'aucune critique ne ressemble a une autre, autant dans la forme que dans le fond prouve cette absence d'objectivité. Par exemple, lisez ma critique du récent Superman Returns, je ne l'ai pas aimé, donc je me suis grillé les neurones afin de trouver des arguments qui puissent le couler - je m'acharne même un peu trop je pense. Mais je n'en avais pas conscience lors de son écriture.

Pour conclure, je dirais donc que la critique est un procédé sournois qui se cache derrière des prétendues argumentations objectives pour faire paraître le tout ultra objectif. Donc l'objectivité n'existe pas, on pourrait dire qu'elle est une utopie intellectuelle. On retrouve d'ailleurs le même type de problèmes dans les autobiographies ou les auteurs se confrontent à eux mêmes dans un désir d'écrire vrai. Mais - il y en a toujours un - heureusement que la subjectivité est là, car sinon nous n'aurions droit qu'a une seule et unique voi(x)(e), ce qui serait tout bonnement inacceptable. Elle est finalement beaucoup plus intéressante que l'objectivité puisqu'elle permet une réflexion et un débat d'idées, un des seuls point positifs inhérents a l'être humain.

Boulevard de la Mort - Un film GRINDHOUSE

Monsieur 7 — Mon, 18 Jun 2007 13:31:00 GMT

De Quentin Tarantino

Avec Kurt Russel, Rose McGowan, Zoë Bell

Alors, qu’on se le dise immédiatement, le nouveau Tarantino vaut-il le coup ? Assurément oui. Oui, oui, et encore oui. Je dirai même qu’il n’est à louper sous aucun prétexte. Et pourquoi ? Non pas parce qu’il n’est pas le meilleur de Tarantino, non, mais tout simplement car il est son plus jouissif. Je m’explique.

Oui, il est le plus jouissif car le plus « décomplexé » peut être de ses films – pitié, terme à ne pas rapprocher de la « nouvelle » droite que l’on qualifie aujourd’hui de « décompléxée », terme qui, à mon avis, sera bel et bien justifié dans le futur, ce qui seront encore vivants pourront en attester – bien que tous ses précédents métrages étaient déjà, bien entendu, décomplexés. Il apparaît en fait bien plus « con » que tous ses autres métrages. En effet, on est loin de retrouver ce questionnement qu’il pouvait porter sur le montage comme c’est le cas dans « Reservoir Dogs », « Pulp Fiction » et « Jackie Brown ». « Kill Bill » augurait déjà cet aspect en abandonnant tous ces passages enchâssés. Ici, il n’y à ici finalement que deux parties symétriques dans lesquelles Stuntman Mike – Kurt Russel, impressionnant, et qui retrouve ses lettres de noblesse après une décennie un peu vide - fait ses preuves de citoyen modèle puisqu’il ne boit pas, ne se drogue pas, se propose de ramener des jeunes filles désespérées, et respecte scrupuleusement le code de la route.

Mais bien que « QT » n’établisse pas un montage retors, il prouve une fois de plus son grand talent de la mise en scène à travers tous ses mouvements aériens en steadycam et en grue, en travellings, en gros plans plus ou moins recherchés – on se souviendra tous des jolis plans de ces postérieurs tout à fait désirables - ,et en zooms pourris, pour justement retrouver l’ambiance des ses films préférés des années 70 que l’on projetait dans les « Grindhouses ». De la même manière, les divers sauts d’images, les erreurs (volontaires) de montages, l’aspect vieilli de la bande, tout cela est fait pour nous plonger dans ces films qui ont bercé son enfance de cinéphage, mais peut surprendre et choquer si l’on est pas averti.

Tarantino le dit lui-même « Je vous branle ». Mieux vaut le savoir après avoir vu le film, en effet certains spectateurs seraient peu enclins à se faire masturber. Mais il s’agit ici d’une masturbation de la part de la mise en scène. Et oui, il nous prépare délicatement, en dialogues toujours aussi savoureux, en sous entendus délicieux, à un final bel et bien jouissif auquel nous avons d’ailleurs droit. Et la course poursuite, qui est dors et déjà d’anthologie, une véritable leçon, est bel et bien l’aboutissement de quasiment 1 heure 40 de préliminaire. C’est donc avec un plaisir non dissimulé que l’on assiste à cette fin réellement jubilatoire et hilarante à la fois. Ce film brut est donc une bonne tranche de fun, pas du fun "Spider-Man" ou du fun "Pirates des Caraïbes", non non, du vrai fun comme on en voit désormais rarerement au cinéma.

Ainsi, « Boulevard de la Mort » - je ne me lasse plus de dire ce titre que « QT » affectionne d’ailleurs particulièrement, bien plus que la version américaine de celui-ci – est un petit bijou, un excellent film mais pas son meilleur. Une ode aux vieux films de série B et Z, souvent subversifs et à la violence gratuite. Clairement un des meilleurs films de l’année à ne pas rater.

Zodiac

Monsieur 7 — Mon, 11 Jun 2007 21:46:00 GMT

De David Fincher

Avec Jack Gyllenhaal, Mark Ruffalo, Anthony Edwards

Voici le nouveau Fincher qui arrive, la plupart diront enfin, et ils auront raison. Ainsi, le réalisateur des désormais cultes – et c’est totalement justifié - « Se7en » et « Fight Club » appuie une fois de plus son grand talent de la mise en scène et de l’écriture.

En effet, Fincher s’avère être, avec un léger recul, pour moi, le réalisateur des années 2000 comme l’a été Tarantino dans les années 90, car en plus de représenter une certaine nouvelle forme du cinéma hollywoodien, Fincher s’appuie effectivement sur la logique mercantile d’Hollywood pour produire ses films et donc s’écarter intelligemment de cette logique du marché. Il à en effet entamé la nouvelle décennie avec son « Fight Club » qui, justement, est aussi adulé et reconnu maintenant que le chef d’œuvre « Pulp Fiction ».

« Zodiac » se démarque donc formellement des deux films qui ont faits sa renommée. En effet, on y trouve beaucoup moins d’effets visuels et esthétiques que beaucoup de magazines et critiques de cinéma établissent injustement à mon avis dans le cadre « effets gratuits d’ado ». On considère le nouveau Fincher comme étant plus « adulte », ce qui est une nouvelle erreur. En quoi « Se7en » et « Fight Club » ne témoignent pas d’un traitement dit adulte ? Leurs sujets ne sont pas « ados », bien au contraire, malgré le fait, il est vrai, qu’ils plaisent souvent à un jeune public souvent impressionné. Non « Zodiac » apparaîtrait comme étant plus sobre, s’intéressant plus au parcours de l’enquête du serial-killer qui se fait appeler le Zodiac, qu' au dénouement – qui d’ailleurs n’existe pas puisque l’affaire n’a jamais été élucidée (le scénario est basé sur des faits réels). Il peint ainsi dans un espèce de réalisme atténué des personnages qui se perdent dans leur propre curiosité. Ils s’avèrent bouffés par cette affaire qui déteint sur leur vie privée. Il en sont obsédés, et ne sont plus qu’ombres d’eux mêmes.

« Zodiac » est donc un coup de maître, peut être plus abouti et mature sur le plan psychologique que ses précédents films. Il écope donc d’une mise en scène fine et travaillée, d’une écriture quasi-parfaite, et d’un montage aboutit qui sert l’intention du réalisateur. Les acteurs sont également très bons – Jack Gyllenhaal en fait peut être un peu trop dans le rôle du dessinateur autiste sur les bords, bien qu'il est là pour contrebalancer les autres rôles puisque celui-ci se soustrait curieusement aux effets du temps qui passe – , toujours justes. On sent bien la direction très maîtrisée de Fincher.

Le métrage est donc inratable. Il s’agit bien d’une perle d’un petit génie du cinéma américain, qui traite bien souvent la folie au sein des Etats-Unis, comme une gangrène qui serait le produit d’une société dépassée par les événements et perdue .

Pirates des Caraïbes 3 - Jusqu'au bout du monde

Monsieur 7 — Mon, 11 Jun 2007 16:40:00 GMT

De Gore Verbinsky
Avec Johnny Depp, Keira Knightley, Orlando Bloom

Oui, une fois de plus j’ai succombé à l’inratable appel de la perte temporaire (ou non) de la…de…merde comment ça s’appelle déjà, ce truc qui…permet la réflexion…la PENSEE ! J’ai cru que je l’avais oubliée. Donc je resterai très concis dans cet article pour ne pas créditer une qualité cinématographique quelconque à ce « film » qu’il ne mérite pas, et qui finalement, je crois, ne prétend pas posséder.

Alors voilà, cet objet n’est pas un film. Non n’essayez pas de vous persuader, ce n’est qu’une attraction à plusieurs centaines de millions de dollars (c’est le cas pour Spider Man 3 mais qui est beaucoup moins bon en terme d’amusement). Alors voilà, finalement tout le monde le sait que lorsqu’il va payer 6 euros ou plus c’est ici, pour manger de l’attraction pendant 2h48. Attraction qui contient des effets spéciaux agréables, le jeu efféminé mais sympathique de Johnny Depp, le charmante cuisse de Keira Knightley, des scènes minables (ah le mariage en plein combat !; ah la prêtresse géante !) et le jeu toujours aussi désastreux d’Orlando Bloom.

Alors pour finir sur une note rigolote, je vous en prie, Messieurs les gros producteurs d’Hollywood, Monsieur Bruckheimer, Dieu, il est vrai que je n’ai pas beaucoup de respect pour chacun de vous tant vos professions me dégoûtent, mais pitié, n’engagez plus cet abruti d’Orlando !!

P.S. : Une petite pensée pour le cinéma de plus en plus malmené ne nous ferait pas de mal dans cette situation.

Photos - 3ème série

Monsieur 7 — Sat, 02 Jun 2007 15:28:00 GMT

Photos - 2ème série

Monsieur 7 — Sat, 02 Jun 2007 14:52:00 GMT

La représentation de la cellule familiale chez Kubrick

Monsieur 7 — Tue, 29 May 2007 20:02:00 GMT

Stanley Kubrick est l’un des plus grands réalisateurs que le cinéma ait jamais connu. Des œuvres comme 2001 l’Odyssée de l’espace ou Orange Mécanique en témoignent. Sa mise en scène extrêmement travaillée, ses éclairages, sont, on peut le dire, parfaits (souvenons nous de Barry Lindon et Eyes Wide Shut) son montage toujours rigoureux (les deux parties distinctes mais dépendantes de Full Metal Jacket) sont autant d’éléments qui ont et qui appuient encore et à jamais son génie.

On a souvent assimilé Kubrick à un artiste dont l’ego n’avait aucune limite et qui vivait en autarcie totale. Evidemment, tout cela contribue à une image, un fantasme de l’artiste qui, en refusant tout compromis de mise en scène, en étant présent à tous les stades de production de ses œuvres (écriture, réalisation et post-production), donc en affirmant qu’il est artiste, se voit sévèrement critiqué. Pourtant, contrairement à tout ce que l’on pouvait bien en penser, Kubrick à vécu très heureux en banlieue londonienne avec sa famille : sa femme et ses deux filles.

Et alors qu’il a lui même trouvé un équilibre certain dans sa vie intime, tous ses films au contraire, témoignent d’une profonde crise, très souvent au sein d’une société qui n’a plus de repères. En effet, il ne faut pas oublier que le cinéaste fait partie - à travers ses films du moins - d’une école pessimiste inspirée entre autres par des cinéastes tels que Fellini, Welles ou même Antonioni. Ce qui rejaillit fréquemment sur la famille du personnage « kubrickien ». Ainsi, la thématique de la famille est récurrente chez Kubrick. Qu’elle apparaisse dans le genre fantastique avec Shining ou bien dans la science-fiction avec Orange Mécanique – ici vecteur d’une contre utopie.

Lui-même l’affirme : « Au bout du compte, la famille reste l’unité la plus primitive et viscérale de notre société. Vous faites les cent pas devant la salle d’accouchement où est allongée votre femme et vous marmonnez : ‘Mon Dieu, quelle responsabilité ! Ai-je bien fait d’assumer un tel engagement ? Qu’est-ce que j’ai fait ? Puis vous entrez, regardez le visage de votre enfant et ‘vlan !’ : la nature tel qu’elle vous à programmé reprend le dessus et vous ne ressentez plus que de l’émerveillement, de la joie et de la fierté.». C’est un objet sans lequel l’existence de l’homme serait difficile. De plus elle est régulièrement citée en politique comme une valeur fondamentale par laquelle il faut revenir et qu’il convient de respecter.

Elle est clairement traitée dans un de ses plus célèbres films auquel on le ramène d’ailleurs bien trop souvent : Orange Mécanique. En effet, Alex ce jeune homme de 16 ans littéralement habité par le mal et la violence vit donc avec des parents pour ainsi dire inexistants : il rentre quand il le désire, ne vas pas au lycée, et ne leur obéit évidemment pas. Ainsi il vit des vols divers qu’il commet avec ses trois camarades « drougies », s’amuse en tabassant et en violant. Cette dégénérescence de l’unité familiale, donc par extrapolation de la société, est appuyée par l’hypocrisie de la classe politique. En effet, après qu’Alex se soit fait arrêté pour meurtre – il a été trahi par ses « drougies » - il est envoyé en prison où lors d’une visite du premier Ministre, il se fait remarquer et se propose pour une expérience (le traitement « Ludovico ») sensée annihiler toute forme de violence chez l’individu. Après cette séance de torture il est donc réintégré au sein de cette société. C’est alors qu’en se rendant chez lui, il se rend compte que sa famille l’avait simplement remplacé par un jeune homme bien mieux éduqué et qui de plus, louait la chambre d’Alex. Ses parents font littéralement payer quelqu’un pour être leur fils.

L’unité de la famille, comme elle à pu être esquissée, n’existe plus et finalement n’a pas lieu d’être puisque lui-même ne l’a pas respectée quand il l’aurait pu. Il est finalement abandonné dans une société qui s’avère être aussi violente qu’il a pu l’être car en effet, il va retrouver tous les personnages qu’il à pu violenter qui vont eux-mêmes profiter de sa nouvelle faiblesse pour se venger. En effet, il ne peut même plus penser à quoique ce soit de violent sinon l’esprit qui à été transformé par le traitement « Ludovico » lui fait lui-même violence, comme si pour empêcher la violence, il fallait encore plus de violence.

Ce film n’est pas aisé à interpréter - comme tous les films de Kubrick - mais il ne faut surtout pas tomber dans la facilité et affirmer que, par exemple « Alex l’a bien mérité ». Non, Kubrick nous pousse à penser certes librement – il y a toujours une grande liberté d’interprétation permise dans ses films – mais il nous trace tout de même la voie. La violence est dans l’homme, il ne peut s’en débarrasser. S’il le tente autrement que par la raison - qui ne peut que l’ « atténuer » - il ne pourrait se défendre face aux autres qui eux sont toujours emplis de violence, quelle soit physique ou psychologique. C’est le cas avec la famille d’Alex, qui se venge de la façon dont il a pu la traiter. Les parents ne sont certes pas violents, lymphatiques serait plus approprié, mais ils sont pervers. Ainsi la violence familiale se resitue et se reflète dans la violence sociétale.

Cependant, il me semble que c’est dans Shining (1980) que ce thème de la famille est le mieux traité dans son œuvre. En effet, les rapports à l’intérieur de la famille Torrance illustrent le développement classique du triangle oedipien.

Trois personnages sont pris au piège au sein de l’Hôtel Overlook : Jack, le père, Wendy, la mère, et Danny, le fils. Quelques années plus tôt, Jack, dérangé dans son travail par Danny, lui a démis l’épaule dans un accès de colère. Ce geste castrateur – l’acte oedipien du père précède toujours celui de l’enfant – conduit Danny à s’inventer un double qui s’exprime à travers son doigt (quoi de plus phallique qu’un doigt ?) Freud l’affirme « le double était primitivement une assurance contre la destruction du moi, un énergique démenti à la puissance de la mort » (Freud in Essais de Psychanalyse appliquée, « Collection Idées », Gallimard, Paris, 1971, 254 p.).

Mais si, pour l’enfant, le double est une garantie de survie, il devient pour l’adulte (ainsi qu’en témoigne la schizophrénie progressive de Jack, soulignée par ses reflets dans le miroir) un inquiétant signe avant-coureur de la mort, puisqu’il signifie sa future éviction de père.

Plus loin encore, le don de double vue que possède depuis quelque temps Danny n’est-il pas une autre manifestation du rapport substitutif qui se manifeste dans les rêves, les fantasmes, entre les yeux et le membre viril ? Si la crainte pour les yeux est, comme le veut Freud, un substitut fréquent de la peur de la castration, une double vue n’est-elle pas alors l’expression d’une « survirilité » venant s’opposer à la volonté destructrice du père, et conduisant celui-ci, en un cycle infernal, à une fureur exterminatrice encore plus prononcée ?

Ainsi, alors que Danny est enfermé dans un labyrinthe physique – les nombreuses séquences au tricycle en témoignent – qui indique sa propre recherche, qu’elle soit sexuelle ou autre, Jack sombre dans son labyrinthe psychique, dans une schizophrénie qui l’emmène à tuer pour se protéger. Tandis que Danny progresse dans ce schéma classique oedipien, son père à l’inverse effectue une régression qui le fait atteindre un stade quasi animal. Cela le pousse même à pactiser avec le diable que l’Hôtel Overlook – le nom signifie à la fois « dominer du regard » et « jeter un sort » -, en véritable entité, à représenté sous la forme du barman Lloyd.

Ainsi, en établissant un artiste comme personnage principal, Shining, apparaît comme une des œuvres les plus intimes de Kubrick.

Enfermé, isolé, un intellectuel (un ex-professeur) qui se voudrait artiste ne peut réussir à créer. L’angoisse de la page blanche aboutit à cette phrase inquiétante tapée à l’infini : « Travail sans loisir rend Jack triste sire ». En choisissant pour la première fois un artiste comme centre d’une de ses histoires et en faisant un raté, Kubrick se livre à un exorcisme et démontre la suprématie de la création artistique.

Jack à donné une réalité à ses cauchemars (il avoue à Wendy l’avoir tuée, ainsi que Danny, dans ses rêves), et s’il l’a fait, c’est sans doute qu’il n’a pu sublimer ses instincts en écrivant un roman. La création artistique à bien une valeur cathartique. Comme le mythe aussi, semble nous dire Kubrick qui a toujours voulu relier ses films à l’imaginaire collectif. La civilisation et la science moderne écartent toute mythologie de notre conception du monde, servent exclusivement le principe de réalité et l’instinct de mort. Il convient alors pour le cinéaste de créer pour le plus grand nombre – toutes sociétés et toutes classe mêlées – des œuvres archétypales porteuses de mythes où les spectateurs trouveront un apaisement à leurs tourments et à leurs désirs.

Par conséquent, c’est peut-être ainsi que Kubrick, ce romantique désillusionné, considérant la vie comme tragédie ou farce grinçante, et accusé souvent pour cela même de nihilisme, est un grand libérateur. Nous aider à mieux nous connaître, c’est aussi nous permettre de nous affranchir. La contradiction qu’il explore est d’ admettre l’importance et la légitimité des instincts et de l’inconscient dans le même mouvement, voir dans la raison la seule issue pour l’homme et l’humanité.

Kubrick ne connaît pas la réponse, même si l’artiste en lui semble l’avoir trouvée, mais il pose la question par l’exercice souverain d’une invention de formes toujours renouvelée.